Master-Class

Andreas H. Bitesnich - PolaNude

Andreas H. Bitesnich - PolaNude

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Andreas H. Bitesnich - PolaNude

 

 

Inhalt:

 

Der Fotograf

 

Ich finde die Arbeiten von Andreas H. Bitesnich schon an sich interessant und ich schätze ihn als Meister des Lichts für seinen klaren kraftvollen Stil.

Er zählt für mich zu den besten Aktfotografen, wobei mir neben einer sorgfältigen Ausleuchtung immer wieder seine außergewöhnlichen Figurenkompositionen bzw. Anordnungen der dargestellten Personen auffallen.

 

Der Fotograf meint über sich selbst: „Irgendetwas in mir sagt mir, dass es kaum etwas Schöneres gibt, als den menschlichen Körper immer wiederzuentdecken“.

 

Andreas H. Bitesnich komponiert aus einer Person oder einem Paar sorgfältig fast abstrakte Kompositionen und überrascht dadurch immer wieder mit neuen Sichtweisen. Viele seiner Bilder sehen aus wie menschliche Skulpturen und erinnern an Werke aus der klassischen Malerei oder griechischen Bildhauerei. Dieser konsequent reduzierten und grafischen Komposition gewährt er Vorrang vor dem erotischen Moment. Sein Stil Akte mit skulpturalen Charakter zu fotografieren ist unverwechselbar.

Dieser Art der Fotografie kommt sicherlich zugute, dass er nicht nur mit perfekten Modellen arbeitet, sondern überwiegend mit professionellen Sportlern und Tänzern, die diese Formen in seinen Fotografien darstellen können. Gewöhnliche Modelle würden es mit dieser Akrobatik wohl schwer haben.

 

Für sein erstes Buch „Nudes“ gewann er den renommierten Kodak Photography Book Award.

 

Die Technik: Polaroids

 

Dieser großformatige Hardcover Band Andreas H. Bitesnich - PolaNude* aus dem renommierten teNeues Verlag verspricht Interessantes, liegt bei diesem doch die Betonung auf dem ersten Teil des Titels.

Die Bildtechnik ist hier das Ungewöhnliche, handelt es sich doch um ursprüngliche analoge Polaroids. Gezeigt werden 110 Farbfotografien und 96 Schwarz-Weiß-Aufnahmen.

 

Warum fotografiert(e) man Polaroids?

 

In unserer digitalen (Foto-) Welt haben analoge Polaroids ihren früheren eigentlichen Sinn und Zweck verloren und der jüngeren Generation der Fotografen ist der ursprüngliche Zweck nicht mehr geläufig.
Heutzutage kennen Amateure oder Modelle den Begriff Polaroid nur noch als Aufforderung, ein natürliches und unbearbeitetes Foto an den Fotografen oder eine Agentur zu übersenden. Damit man die Person des Modells vorab quasi „in natura“ beurteilen kann.

In der analogen Zeit musste ein Fotofilm nach der Aufnahme erst noch entwickelt und bei einem Negativfilm gegebenenfalls noch vergrößert, auf Papier abgezogen, werden. Dies dauerte mindestens ein oder zwei Stunden. Gerade bei aufwendigen Produktionen im professionellen Bereich wurden daher vor der eigentlichen finalen Aufnahme Polaroids zu Testzwecken angefertigt. Nur auf diesen konnte der Fotograf die Lichtwirkung direkt vor dem eigentlichen Finalbild ohne Verzögerung noch einmal überprüfen. Eine Ansicht der Motivsituation auf einem Kameradisplay oder gar die Betrachtung eines Histogramms war damals noch nicht möglich.

 

Der Polaroid-Sofortbildfilm war zwar sehr teuer, aber daher kein Luxus. Er war immer noch billiger als ein komplett fehl belichteter Mittelformat- oder gar Großbildfilm. Gar nicht zu denken an die Kosten eines ganzen verlorenen Produktionstags vom gesamten Fototeam.

Dieser „Sofortbild“-Film hatte sich erst mit dem Aufkeimen der digitalen Technik überlebt, konnte man doch ab diesem Zeitpunkt sein Foto direkt nach der Aufnahme auf dem Kameradisplay oder am Computer beurteilen. Zurückgekehrt sind ähnliche „Sofort-Bilder“ auf Papier erst wieder mit dem Aufkeimen des Interesses einer jungen Generation, welche die analoge Fotografie nicht direkt kennt und nun erstmals ausprobieren möchte. So wurde der momentane Fuji Instax – Hype geboren.

 

Das Buch: PolaNude


In diesem Buch geht es aber um die Polaroids der noch analogen Zeit.

 

Diese waren keine unvorbereiteten Fotos, sondern fast finale Endbilder. Alles war für die finale Aufnahme eingerichtet und man wollte nur noch einmal die Belichtung und Bildwirkung testen, quasi das direkt nachfolgende Endbild durch Kontrolle absichern. Lediglich letzte kleine Fehler oder Details wurden danach noch einmal gerichtet und natürlich fehlt die abschließende analoge Bildbearbeitung.

Unmittelbar nach der darauffolgenden finalen Bildaufnahme auf Film hatten die angefertigten Polaroids ihren (Test-) Zweck erfüllt und wurden entweder entsorgt oder auch vereinzelt dem Modell als Geschenk und Erinnerungsstück an das Shooting mitgegeben. Dass ein Fotograf diese aufbewahrte, stellte eher eine Ausnahme dar.

 

Bei diesem Buch handelt es sich um einen Bildband, die begleitenden (mehrsprachigen) Texte beschränken sich auf eine Einleitung und ein paar Erklärungen. Der Rest des Buchs ist den 206 Bildern gewidmet.

Diese werden in Originalgröße oder teilweise zu mehreren auf einer Seite abgebildet. Das bedeutet zugleich, dass auf den einzelnen Seiten auch Freiraum, „negativer Raum“ zum Atmen der Fotos vorhanden ist. Manche Leser haben sich schon gewundert, dass die Bilder „nur“ so klein seien; es handelt sich um das originale Maß, die Bilder wurden nicht künstlich verändert.

 

Mit den abgedruckten Fotos hat man zunächst einmal die Gelegenheit, an der vergangenen analogen Zeit teilzuhaben, und diese erlauben einen Blick hinter die Kulissen des Fotografen. Man sieht Fotos ohne abschließende Bildbearbeitung, erkennt den fotografischen Anteil am Endprodukt.

Zwar sind die nachfolgenden finalen Bilder nicht mit abgedruckt, ein direkter Vergleich mit diesen ist daher nicht möglich. Wenn man aber den Fotografen und sein Werk kennt, ist es trotzdem interessant zu erkennen, wie viel bereits in diesem Stadium finalisiert wurde und was erst später noch in einer Nachbearbeitung passiert.

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Andreas H. Bitesnich - PolaNude - Vorderseite

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Fotobuch-Regal.de - Rezension: Andreas H. Bitesnich - PolaNude - Rückseite

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Fazit:

 

Ich meine, dass das Buch für angehende Studio-Fotografen interessant ist, die sich selbst an der Porträtfotografie versuchen möchten. Bei diesen Bildern hat sich Bitesnich wie bei den vorausgehenden Arbeiten von der bildenden Kunst, insbesondere von Egon Schiele, inspirieren lassen.

Gerade bei den Motiven von Bitesnich kann man die Proportionen der Modelle und das Licht-Set-Up wegen der ausgeprägten Körperlichkeit sehr gut beurteilen, auch wenn in diesem Buch vergleichsweise die Fotos weniger abstrakt und dafür etwas erotischer ausfallen.

Ich finde, es ist ein erstklassiges Buch mit lehrreichen Informationen zu klassischen Posen und passender Lichtsetzung.



Buchdaten:

 

Format: Gebundene Ausgabe
   
ca. Maße cm (BxLxT): 25,5 x 32,5 x 2,5
Seitenanzahl: 176
ca. Gewicht: 2000 g.
   
Autor(en):  Andreas H. Bitesnich
Verlag: teNeues
Auflage: 1
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch, Italienisch, Spanisch
Erschienen am: 01.11.2005
   
ISBN: 9783832790837
Preis in (D): 49,00 €

 

 

Links:

 

Andreas H. Bitesnich - PolaNude* 

*

 

Link: Andreas H. Bitesnich - Homepage

Link: teNeues Verlag - Homepage

 

 


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David Plowden - Requiem For Steam

David Plowden - Requiem For Steam

The Railroad Photographs Of David Plowden

 

“Requim For Steam“ bedeutet übersetzt auf Deutsch: Messe, Begräbnisfeier oder Totengedenken für Dampf.
Dieser (englischsprachige) Bildband führt den Leser zurück in eine vergangene Zeit, zurück zu den ausgestorbenen Dinosauriern der Eisenbahnzeit Amerikas, den Dampflokomotiven.

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: David Plowden - Requiem For Steam

 

 

 Inhalt:

 

Der Autor:

 

David Plowden wurde 1932 in Winnetka, Illinois, geboren und bekam als Kind eine kleine Kompaktkamera geschenkt. Damit begann er Eisenbahnzüge zu fotografieren.

 

Nach seinem späteren wirtschaftswissenschaftlichen Abschluss an der Yale Universität führte ihn seine berufliche Laufbahn zunächst zu einer Eisenbahngesellschaft, der Great Northern Railway, bevor er sich 1958 entschloss, ein Berufsfotograf zu werden.

 

Das Thema der Eisenbahn ließ ihn auch danach nicht mehr los und er wurde zu dem amerikanischen Fotografen, der durch seine dokumentarischen und detailreichen Fotografien von historischen Dampfzügen, Eisenbahnpersonal, Bahnhöfen, aber auch von kleinen ländlichen Städten und Landschaften des nordamerikanischen 20. Jahrhunderts bekannt geworden ist. Dabei hat er die Veränderungen der Eisenbahn über 50 Jahre lang aufgezeichnet.

 

Plowden hatte zudem im Laufe seiner Karriere verschiedene Lehraufträge inne, unter anderem an dem renommierten Illinois Institute of Technology, dem Institute of Design, der University of Iowa, der School of Journalism, der University of Baltimore und der Grand Valley State University. 1968 erhielt er ein Guggenheim-Stipendium und 1970 ein Forschungsstipendium des Smithsonian Institute.

Zu späteren Zeiten konzentrierte er sich auf industrielle Bauwerke und Landschaften wie z.B. Eisenbahnbrücken, agrarlandwirtschaftliche Scheunen oder die Bauwerke der Stahlindustrie.

 

Die Eisenbahn ist jedoch bis heute seine große Leidenschaft geblieben, er durchstreift mit ihr immer noch die nordamerikanische Landschaft und er hat mehr als 20 Bücher veröffentlicht.

 

 

Das Buch:

 

Das 200-seitige Buch David Plowden - Requiem For Steam* bietet zunächst eine rund 25-seitige Einführung über den Autor und seine große Leidenschaft. Die folgenden großformatigen, ganzseitigen Bilder zeigen ebenso das Schwerpunktinteresse dieses Fotografen in den 1960er Jahren: die Zeit der Dampfzug-Ära.

 

Der Leser findet im Folgenden stimmungsvolle, schon romantisch dramatische Panoramaaufnahmen unterschiedlicher Dampfzüge, deren Technik und Betrieb im Alltag.

David Plowden geht dabei auch nah ran an seine Objekte und zeigt formatfüllende Details dieser Zeit: den Dampf, Ruß, riesige Antriebsräder und andere Details wie das Kohlelager der Lok, den Wasserboiler, Personal bei den notwendigen Betriebs- oder Wartungsarbeiten. Viele der damit verbundenen Berufsbilder, Situationen und Stimmungen bei Betrieb eines solchen Eisenbahnzugs werden gezeigt.

Man findet abgebildet den fahrenden Ingenieur, den Heizer an den Kohlen, den Bremser auf dem Plateau eines Waggons, oder im Umfeld eines Bahnhofs den Zettelanreicher am Bahnsteig, den Weichensteller und das Wartungspersonal mit der Ölkanne in der Hand bei einem Zwischenstopp.

 

Unter allen Fotos sind jeweils kurze Erläuterungen zum Gezeigten abgedruckt, ausführliche Bildbeschreibungen mit Jahres- und Technikangaben finden sich im Nachgang auf den letzten Buchseiten.

 

 

Der zeitliche Schwerpunkt dieser Fotos von Plowden liegt in den 60er Jahren, reicht vereinzelt aber auch bis in die 90er des letzten Jahrhunderts. Wegen der gleichbleibenden Stimmung seiner Schwarz-Weiß-Bilder muss man auf den vereinzelten jüngeren schon genau hinsehen, um modernere Details wahrzunehmen. Ausgestorben sind nur irgendwann die urzeitlichen Dampfzüge mit ihrem markanten Dampfausstoß durch die Verbrennung von fossilen Kohlen, ebenso wie die dafür notwendigen Versorgungstürme mit Kohle und Wasser. Einzug gehalten haben zuletzt die moderneren Dieselloks, die Plowden allerdings hier nicht mehr abbildet.

Die Getreidesilos an den Bahngleisen mögen in den 90er Jahren schon etwas moderner aussehen, andere noch intakte Holzgebäude oder die Schienen unterscheiden sich nicht von den Aufnahmen der 60er und 70er Jahre. Sie zeigen dieselbe Tristesse und Stimmung der amerikanischen ländlichen Landschaft, ihrer Bahnhöfe und der damit verbundenen Industriebauten.

Gezeigt werden nicht die herrschaftlichen Bahnhöfe der Großstädte, sondern die immer allgegenwärtigen Stadtansichten von Kleinstädten oder des ländlichen Bereichs, dessen kleine Bahnhöfe und deren Bahnsteige, Ticket-Verkaufsräume und Wartebereiche.

 

David Plowden sagte über sich selbst:

„Ich war mit dem Gefühl der Dringlichkeit beschäftigt, die Teile unseres Erbes aufzuzeichnen, die sich so schnell zurückzubewegen scheinen wie der Blick von hinten auf einen sich beschleunigenden Zug. Ich befürchte, dass wir die Beweise für unsere Errungenschaften in der Vergangenheit so schnell ausmerzen, dass wir mit der Zeit das Gefühl verlieren könnten, wer wir sind.“

Er hat sich selbst als "Archäologe mit Kamera" beschrieben, der sein Leben "einen Schritt voraus der Abrissbirne" verbracht hat.

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension:  David Plowden - Requiem For Steam - Vorderseite

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Fotobuch-Regal.de - Rezension:  David Plowden - Requiem For Steam - Rückseite 

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Fazit:

 

Dieses im Jahr 2010 von David Plowden veröffentlichte Buch ist als Monografie eine Hommage an die ausgestorbene Zeit der Dampflokomotive.

Gleichzeitig ist es, wie die deutsche Übersetzung des englischen Titels andeutet, eine Begräbnisfeier dieser speziellen Ära, welche dieser Fotograf als einer der ganz wenigen vom Anfang bis zum Ende mitbegleitet hat.

 

Auch wenn man den englischen Einleitungstext nicht lesen bzw. übersetzten könnte: Plowdens wunderbare Sammlung von Schwarz-Weiß–Fotografien zeigt das spürbare Interesse dieses Altmeisters der analogen Fotografie an dem Thema der Dampfeisenbahn.

Zudem aber auch sein gesamtes weiteres Interessenspektrum: Technologie, Landschaft, Bauwerke, Menschen und Berufsbilder seiner Zeit.

 

Alle Fotos sind durchdacht und mit einem ganz klassischen Bildaufbau gestaltet. Für den Betrachter ist die Wirkung dadurch sehr eindrucksvoll und die Fotos werden im Buch selbst schön mit viel Weiß-Raum umgeben präsentiert.

So schafft es Plowden, seine romantische Begeisterung für dieses Thema zum Betrachter zu transportieren, zeigt dazu in den unendlichen Weiten der USA kleine Lokomotiven mit riesigem Dampfausstoß. Es gelingt ihm dabei klar strukturierte Architekturfotos mit einer ganz eigenen Stimmung zu kombinieren; vgl. z.B. die Seite 179 mit dem Foto der Scranton Railroad Station. Ein traditioneller kleiner Bahnhofsbahnsteig wird als klassische Architekturfotografie abgelichtet, getaucht in eine romantische Licht- und Bildstimmung. Dieses Foto ziert auch das Cover eines seiner anderen Bücher „A Time of Trains by David Plowden“, welches vom Inhalt viele Parallelen und identische Fotos beinhaltet.

 

Plowden fühlte sich schon bei der Aufnahme seiner Bilder verpflichtet, die allmählich verschwindenden Dinge der Gegenwart fotografisch festzuhalten und somit für die Nachwelt verfügbar zu machen.

 

Seine Fotos zeigen neben dieser ehrfürchtigen Hommage an die Dampf-Ära somit gleichzeitig die unscheinbaren und vergänglichen Teile des Lebens, mit denen die meisten Menschen aufwachsen. Heute wirken diese Fotos nostalgisch, zeigen ein nicht mehr vorstellbares „Landschaftsbild“, eine in diesem nicht mehr existierende Technik und ausgestorbene Berufsbilder, wie den „Weichensteller“, den „Zettelboten“.

Dieser Fotograf zeigt uns seine Vision, dass in allem Schönheit und Kunst steckt. In diesem Buch stößt man auf Nostalgie, Sentimentalität und Verlustgefühl. Es mahnt dabei gleichzeitig den Betrachter zu unserer aktuellen Zeit aufmerksamer, bewusster und wertschätzender mit unseren alltäglichen Dingen zu sein. Und als Fotograf diese ebenfalls für die Nachwelt zu dokumentieren.

 

 

Buchdaten:

 

Format: Gebundene Ausgabe
   
ca. Maße (BxLxT): 30,5 x 28 x 2,5 cm
Seitenanzahl: 200
ca. Gewicht: 1.700 g
   
Autor(en): David Plowden
Verlag: Norton & Company
Auflage: 1
Erschienen am: 11.10.2010
   
ISBN: 9780393079081
Preis in (D): 65,00 US$

 

Links:

 

David Plowden - Requiem For Steam*

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Link: David Plowden - Homepage

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Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie

Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie

  Masterclass Workshop

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie

 

 

Inhalt:

 

Das großformatige Buch mit dem Titel Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie* aus einem renommierten Fachverlag verspricht sehr viel:

Dennis Savini möchte ein Grundlagenbuch für Studiofotografen abliefern, das in die Technik, insbesondere in die Lichttechnik, und in Organisation eines eigenen Fotostudios einführt.

 

Dazu bietet der Autor neben den rund 50 Seiten zur allgemeinen Studiofotografie verschiedene Workshops zu einzelnen Subjekten wie Sachaufnahmen, aber auch zu Porträts und Businessporträts on Location an.

Dieses Buch richtet sich an angehende Profis, selbst ambitionierte Hobbyisten können aus seinem Füllhorn von Erfahrungen und Tipps profitieren.

 

Die Größe des zukünftigen Studios ist eigentlich egal; wer große Objekte wie PKW oder gar LKW professionell fotografieren möchte, benötigt halt riesige Hallen und Lichtanlagen.
Eine professionelle Produktfotografie von Kleinobjekten ist auch in einem kleinen Heimstudio möglich, wenn man weiß wie es geht.

 

Der eigentliche Unterschied zwischen einem Amateurfoto und einem professionellen Foto liegt in der Lichtsetzung, der gekonnten Kontrolle von Licht, Schatten, Reflexionen, und in der Erzeugung von gewollten abgebildeten Emotionen, z.B. von Frische und anregendem Appetit bei Lebensmitteln und so weiter. So beginnt Savini das Buch mit einer Einführung in die Lichtsetzung und Lichtwirkung.

Ein weiterer Unterschied der Herangehensweise eines Profis ist das ebenso professionelle Handling eines neuen Auftrags. Der Autor bietet Anregungen zur Studiowahl, dem Marktauftritt, der Kostenkalkulation und dem letztendlich daraus resultierenden Tagessatz, auf dem ein zukünftiges Kundenangebot beruhen muss.

 

Die einzelnen im Buch enthaltenen kreativen Workshops decken die unterschiedlichen Sujet-Bereiche wie Still Life, Sach- und Produktaufnahme, Uhren und Schmuck, Food und Getränke, Porträts, … ab.

Dazu findet sich auf mindestens jeweils einer Doppel-Seite das Ziel-Foto und erklärend daneben eine Set-up-Skizze, die technischen Daten und ein Text mit der Erklärung der erwünschten Effekte und wie diese letztendlich erzielt wurden.
Dort, wo es kniffeliger wird, zeigt Savini detailliert zusätzlich die Zwischen-Schritte der Aufnahme und eine eventuell erforderliche spezielle Post-Produktion. Wer noch nicht Profi ist, kann aufgrund mangelnder Erfahrung ansonsten nicht sofort einschätzen, wo z.B. auf jeden Fall mehrere Aufnahmen nachträglich zusammengesetzt werden müssen, da dieser Effekt mit einem Einzelfoto nicht oder nur mit einem riesigen Aufwand erzielbar wäre.

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - Vorderseite

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Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - Rückseite

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Fazit:

 

Der Inhalt dieses Buchs und der enthaltenen Workshops wird leicht verständlich und nachvollziehbar dargeboten. Man hat das Bild schon im Buch vor Augen, der Autor erklärt dazu den Aufbau und man hat nicht das Gefühl, dass Geheimnisse verdeckt oder Fragen unbeantwortet bleiben.

Selbst die kleinen Helferlein, die man ansonsten nur beim Blick über Schulter des Profis sieht, sind hier selbstverständlich als Tipp erwähnt. Als zukünftiger Profi im Studio wird man Flexogum, Turtle-Wachs und Plexi-Eiswürfel und ähnliche Hilfsmittel kennen und verwenden wollen.


Herausgekommen ist insgesamt eine Referenzklasse der einführenden Studiofotografie, von einem echten Profi für angehende Profis.

 

 

Buchdaten:

 

Format: Gebundene Ausgabe
   
ca. Maße cm (BxLxT): 22 x 28,5 x 2,5
Seitenanzahl: 240
ca. Gewicht:  
   
Autor(en): Dennis Savini
Verlag: Photographie
Auflage: 1
Erschienen am: 01.10.2011
   
ISBN: 9783943125047
Preis in (D): 36,00 €

 

Links:

 

Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie*

*

 

Link: Dennis Savini - Homepage

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Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - Auflage 2

Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - 2. Auflage 2018

  Masterclass Workshop

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie 2. Auflage

 

 

Inhalt:

 

Die Neuauflage


Dieses Buch Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - Masterclass Workshop - 2. Auflage 2018* ist die im dpunkt.Verlag erschienene zweite Auflage; die Erstausgabe wurde vormals im Verlag Photographie verlegt.

Beide Auflagen unterscheiden sich nur wenig, diese zweite ist nun eine durchgesehene, korrigierte und leicht erweiterte Ausgabe. Offensichtlicher Unterschied ist die leicht unterschiedliche Optik:

Die Erstausgabe wurde in der Optik klassisch als Hardcover mit Schutzumschlag veröffentlicht, die Neuauflage ist minimal schmaler und niedriger im Maß, daher auch ein paar Seiten dicker und in der Optik etwas moderner.

 

Auch wenn das Titelbild gewechselt hat, der Eyecatcher ist derselbe geblieben:

Man sieht eine Person als Silhouette, diese ist aber nur eine Staffage für das farbige Schmuckstück, vormals war es ein Armreif und ein Ohrstecker, nun ist mittig auf dem Cover ein farbiges Collier ersichtlich und ebenfalls ein Ohrstecker zu sehen.

 

Eventuell hatte zuvor das alte Coverbild für Verwirrung gesorgt, der Color-Key-Effekt sagt nun noch deutlicher:

Hier geht es um die Studiofotografie im Allgemeinen und nicht und Porträtfotografie im Speziellen.

 

Das Buch: Studio-   =/=   Porträtfotografie


Dennis Savini beschreibt im Vorwort seine Herangehensweise an dieses Buch:

Er möchte dem Leser, einem angehenden Profifotografen mit eigenem Fotostudio ein solides handwerkliches Können an die Hand geben, damit dieser zukünftig seine Aufträge professionell abwickeln und den Ansprüchen des Kunden gerecht werden kann.

 

Als Vortragsweise hat er die Workshop-Form gewählt, die er mit der Tätigkeit eines Kochs vergleicht:

Ein Essen (übersetzt: das Ziel-Foto) betrachten, dessen Herstellung als Rezept in Vorbereitung (Props), die einzelnen Arbeitsschritte (Steps) und die Nachbereitung (Post Production) zerlegen, sodass das Rezept für Außenstehende nachvollziehbar wird.

 

Dennis Savini arbeitet im eigenen Studio noch heute selbst so und dokumentiert jeden Auftrag auf einem entsprechenden Arbeitsblatt, welches auch als Muster im Buch abgedruckt ist. Auch wenn aufgrund seiner Erfahrung viele Schritte nicht mehr erwähnenswert wären, so kann er später das jeweilige Ziel-Foto auf Kundenwunsch jederzeit identisch reproduzieren.

 

Die Ausrüstung

 

Das vorliegende Buch beginnt daher folgerichtig mit einem einleitenden Kapitel zur Studiofotografie, in welchem Dennis Savini seine professionelle Ausrüstung kurz mit Vor- und Nachteilen vorstellt. Professionell bedeutet nicht nur gut und teuer in Form einer Hasselblad Mittelformat- oder gar einer Sinar Fachkamera.

Dennis Savini sieht die Technik lediglich als sein Werkzeug an und schlägt jeweils diejenige Technik vor, mit der man am effizientesten zum erwünschten Ziel kommt. Dies kann als Alternative zur verschwenkbaren Fachkamera genauso gut eine normale 35mm Kleinbildformat-Kamera mit einem adaptierten Tilt-/Shift-Objektiv und einer Postproduktion in Helicon-Focus zur Erhöhung der Tiefenschärfe sein.

 

Professionell bedeutet im Gegensatz zum Hobbyisten auch immer gleichzeitig: so kosteneffizient wie möglich. Ist der gleiche Effekt auch mit einer kostengünstigeren Lösung erzielbar, wird ein Profi nicht unnötig zur teuren Variante greifen.

Bevor es zur kreativen Seite der Fotografie geht, schließt Savini dieses Kapitel noch mit wichtigen Überlegungen zur Studio-Organisation, welche vom Anfänger häufig vernachlässigt wird (Standort, Marktorientierung, Präsenz im Internet, Kundenkontakt, Mappe, etc.).

 

Es sind im Buch auch zielführende Vorschläge zu einer Kalkulation der Kosten und der daraus resultierenden Tagespauschale als Grundlage für das Kundenangebot vorhanden.

 

Die Workshops

 

Im folgenden kreativen Buchteil findet man alle Bereiche und Anforderungen eines Profistudios besprochen.

Damit ist nicht ein kleines Fotogeschäft mit angeschlossenem Porträtstudio für Passbilder gemeint, sondern ein größeres Fotostudio, das vornehmlich die Bedürfnisse von anderen Gewerbetreibenden, den Businesskunden, abdeckt. So werden die einzelnen Workshops ganz auf die in der Praxis vorkommende Nachfrage gerichtet: Sachaufnahmen von Produkten, Still Life, Industrie & Technik, Kosmetik & Accessoires, Uhren & Schmuck, Getränke, Food und (Business-) Porträts, auch im Kontext vom Gewerbekunden on Location.

 

Der Schwerpunkt liegt bei den einzelnen Fotografie-Kapiteln immer auf dem Licht und der Lichtsetzung.

 

Selbst wenn manche Leser es nicht wahrhaben wollen:

Fotografie bedeutet nicht nur aus dem Griechischen übersetzt „Malen mit Licht“. Wer die Lichtsetzung im Griff hat, Schatten und Reflexe kontrollieren kann, kann alles fotografieren. Die schwierigsten Metiers der Studiofotografie sind daher stark reflektierende Schmuckstücke und auch Getränke und deren Behältnisse. Wer dies meisterlich beherrscht, kann alles andere auch fotografieren. Dies kombiniert mit dargestellter Natürlichkeit, Frische oder anderen beabsichtigten Emotionen, und ein großartiges Bild entsteht.

 

Ein Aspekt wird in diesem Buch nicht besonders vertieft: Der (zwischen-) menschliche Anteil bei der Porträtfotografie; wie kommuniziere ich mit einem Modell, wie lasse ich es posen, etc.

Das sind aber auch zusätzliche Fähigkeiten, die nicht an eine Studiofotografie gebunden sind und auch für ansehnliche Outdoor-Porträts erforderlich werden. Und solche sind hier auch eigentlich nicht zu erwarten, das Buch heißt schließlich nicht: Masterclass Porträtfotografie.

 

Die Überarbeitung der 2. Auflage


In der zweiten Auflage sind die einzelnen Kapitel noch einmal dem aktuellen Stand der Technik angepasst, moderne LED-Beleuchtung hat ebenfalls Einzug gehalten. Der angehende Foto-Profi findet ein rundes Lehrwerk.

Die einzelnen kreativen Workshops decken die unterschiedlichen Sujet-Bereiche wie Still Life, Sach- und Produktaufnahme, Uhren und Schmuck, Food und Getränke, Porträts, … ab. Dazu findet sich auf mindestens jeweils einer Doppel-Seite das Ziel-Foto und erklärend daneben eine Set-Up-Skizze, die technischen Daten und ein Text mit der Erklärung der erwünschten Effekte und wie diese letztendlich erzielt wurden.

 

Dort, wo es kniffeliger wird, zeigt Dennis Savini detailliert zusätzlich die Zwischenschritte der Aufnahme und eine eventuell erforderliche spezielle Post-Produktion. Wer noch nicht Profi ist, kann aufgrund mangelnder Erfahrung ansonsten nicht sofort einschätzen, wo z.B. auf jeden Fall mehrere Aufnahmen nachträglich zusammengesetzt werden müssen, da dieser Effekt mit einem Einzelfoto nicht oder nur mit einem riesigen Aufwand erzielbar wäre.

 

Der Inhalt wird immer leicht verständlich und nachvollziehbar dargeboten. Man hat das Bild schon im Buch vor Augen, der Autor erklärt den Aufbau und man hat nicht das Gefühl, dass Geheimnisse verdeckt oder Fragen unbeantwortet bleiben.

Es sind dutzende Tipps zu finden, die man sonst nur beim Blick über die Schulter eines Profis erhaschen kann. Selbst der Laie in seinem Hobby-Studio im Wohnzimmer wird später die kleinen Helferlein für bessere und einfachere Fotos in Form von Flexogum, Turtle-Wachs und Plexi-Eiswürfel, nicht mehr missen wollen.

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie 2. Auflage - Vorderseite

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Fotobuch-Regal.de - Rezension: Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie 2. Auflage - Rückseite

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Fazit:

 

Dies ist eins der besten einführenden Bücher in die Studiofotografie, das ich jemals gelesen habe.

 

Es richtet sich an den werdenden Profi, stellt aber auch ein tolles und lehrreiches Buch für alle anderen Interessierten an der Studiofotografie dar. Selbst der ambitionierte Hobbyist kann viel Nutzen daraus ziehen.

Die Workshops sind so gut aufbereitet und nachvollziehbar, dass sie auch mit einfacherer Technik reproduzierbar sind, selbst wenn dann vielleicht das i-Tüpfelchen auf dem Endbild fehlt.

 


Wer noch mehr wissen möchte, kann danach beruhigt in die "Masterclass-Bücher" der einzelnen Sujets einsteigen.

 

Für den Bereich der Werbe- und Produktfotografie kann ich besonders empfehlen:

Eberhard Schuy - Objektfotografie: Von der Sachaufnahme zur inszenierten Produktfotografie  (*)

 

Hervorragend für Metall und glänzende Flächen (aber leider auf Deutsch kaum noch zu bekommen):

Paul Fuqua / Steven Biver / Fil Hunter - Licht - Magie & Wissenschaft - Metall-, Glas- und Porträtaufnahmen beherrschen  (*)

 

Als Alternative hier die lieferbare Originalausgabe in Englisch:

Paul Fuqua / Steven Biver / Fil Hunter - Light Science and Magic: An Introduction to Photographic Lighting  (*)

 

 

Buchdaten:

 

Format: Gebundene Ausgabe
   
ca. Maße cm (BxLxT): 22 x 27,5 x 2,5
Seitenanzahl: 250
ca. Gewicht:  
   
Autor(en): Dennis Savini
Verlag: dpunkt
Auflage: 2
Erschienen am: 30.04.2018
   
ISBN: 9783864904752
Preis in (D): 44,90 €

 

Links:

 

Dennis Savini - Professionelle Studiofotografie - Masterclass Workshop - 2. Auflage 2018*

*

 

Link: Dennis Savini - Homepage

Link: dpunkt.Verlag - Homepage

 


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Vincent Peters - Personal

Vincent Peters - Personal

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Vincent Peters - Personal

 

 

Inhalt:

 

Die Person Vincent Peters

 

Vincent Peters, Jahrgang 1969, ist geborener Bremer und als junger Mann nach New York gegangen, um dort das Handwerk der Fotografie zu lernen.

Nach seiner Rückkehr nach Europa arbeitete er erst für Kunstgalerien, bis er 1999 als Modefotograf bei der Agentur von Giovanni Testino einstieg. Innerhalb kürzester Zeit wurden seine Fotos für Kampagnen der weltweiten Marken wie Bottega Veneta, Dior, Emporio Armani, Hugo Boss, La Perla, Louis Vuitton, Yves Saint Laurent, und viele andere verwandt.

Seine Bilder erschienen ab diesem Zeitpunkt in allen internationalen Magazinen von Rang und Namen und die Liste der von ihm porträtierten Stars scheint unendlich lang zu sein.

 

Der fotografische Stil

 

Mittlerweile unterliegt er als Star-Fotograf auch den Zwängen seiner Auftraggeber, die zwar seine Art der Fotografie kennen würden, ihn aber trotzdem nötigen, digital zu fotografieren.

 

Von der technischen Seite her gesehen mag Vincent Peters es eigentlich lieber analog, meistens ganz klassisch Schwarz-Weiß, mit feinem Korn, setzt das Licht als Dramaturgie ein und verändert dadurch das Modell und den Bildausdruck.

Am liebsten nutzt er bis heute seine erste Kamera, eine analoge Mittelformat - Kamera, die Mamiya RZ mit nur einem 110 mm - Objektiv. Digital sei ihm zu scharf in der Abbildung, würde ihm viel Atmosphäre nehmen. Seine Bilder leben von der räumlichen Atmosphäre, Bilder vor einer weißen Wand könne man von ihm nicht erwarten.

Peters fotografiert sehr viel mit Dauerlicht, was man seinen Bildern auch ansieht. Gerade die oftmals von ihm eingesetzten ARRI – Scheinwerfer geben seinen Bildern den typischen Mode - Look.

 

Kreativität bedeutet bei ihm, anders als viele andere Fotografen, dass er ohne große Anweisungen an das Modell arbeitet, seiner inneren Intuition Raum lässt und gerne improvisiert.

Anlässlich der Eröffnung der Ausstellung zu seinem neusten Buch „Personal“, sagte der international erfolgreiche Star - Fotograf humoristisch in einem Interview:

„Man hat einen gewissen Geschmack, das kommt auch von innen. Man ist, was man ist, man kann nicht aus seiner Haut, aber man kann das kultivieren. Daraus entsteht das eigene Bild und irgendwann nennt man das den eigenen Stil“.

 

Was ist nun der eigene, der persönliche, Stil von Vincent Peters?

 

Es würde nicht einen Stil geben, so wie es nicht eine Sicht von einer Person geben würde.

„Ist die Person, die ich fotografiere, wirklich die Person, die sie sein will? Hat die Person die gleiche Idee von sich selber, die ich von ihr als Fotograf habe? Es gibt die Version der Person, wie sie öffentlich bekannt ist, es gibt die Version, wie sie wirklich ist, es gibt die Version des Fotografen, … da kommt viel zusammen“.

 

Das Foto entsteht bei Peters im Bauch, nicht im Kopf. Dieses innere Bedürfnis lässt bei ihm ein Bild entstehen, und zur richtigen Zeit hält er es nur noch mittels des Auslösers fest.

 

Sein zweites Buch: "Personal"

 

Dieses Buch Vincent Peters - Personal* ist sein zweiter Bildband und beinhaltet eine Zusammenstellung seiner persönlichen Arbeiten, bei denen er ohne Auftrag und ohne äußere Zwänge arbeiten konnte.

 

Herausgekommen ist ein Bildband, der ausschließlich dem weiblichen Geschlecht gewidmet ist und durchgehend klassische und einfühlsame Porträts zeigt.

Es werden im Großformat 235 Duplex-Aufnahmen und 15 Farb-Fotografien gezeigt. Unter ihnen sind wieder viele Stars zu entdecken, Penélope Cruz, Linda Evangelista und Irina Shayk sind nur einige seiner Lieblingssujets. Diese Bilder sind aber nach eigentlich anderen werblichen Fotostrecken entstanden. Es handelt sich um überwiegend bislang unveröffentlichte Aufnahmen, die nach Modestrecken zu persönlichen Zwecken und teilweise als Aktaufnahmen angefertigt wurden.

„Ich habe vor einiger Zeit angefangen, nach Shootings noch ein paar zusätzliche Aufnahmen zu machen, nur für mich und das Model. Ich kann dann einfach freier arbeiten, als wenn dreißig Leute um mich herum stehen, die alle mitreden wollen. Die meisten Fotos der Ausstellung sind auf diese Weise entstanden“, verriet er in einem FAZ-Interview.

 

Viele dieser Fotos wirken als Standbilder einem Film Noir der 50er Jahre entsprungen, die Modelle posieren im Ballettkleid oder teilweise nackt und verletzlich.

„Ich bin zwar beeindruckt von der Hochkultur des Lichts im Film der dreißiger bis hin zu den Fünfzigerjahren, etwa in „Der Dritte Mann“ oder „Blonde Venus“. Und mir geht es darum, Gefühl zu übertragen und eine gewisse Dramatik zu erzeugen, und das geschieht mit Hilfe des Lichts. Aber viel wichtiger als alle technischen Aspekte ist die Art und Weise, wie ein Modefotograf die Frau sieht. – Bei Ellen von Unwerth zum Beispiel wirkt sie lebenslustig, verführerisch, überdreht. Peter Lindbergh zeigt eher die emotionale und melancholische Seite. Jürgen Teller feiert das Atypische. Steven Meisel arbeitet Androgynität heraus. Die Frau, die ich suche, ist gefühlvoll, nachdenklich, sie trägt vielleicht einen Konflikt mit sich aus. Ich glaube, es steckt viel von Romy Schneider in ihr“, fasst er im gleichen Interview zusammen.

 

Peters beschreibt diesen Band selbst, als einen Versuch seine Ehe wieder aufzufrischen; er meint seine Beziehung zur Fotografie.

„Da war mal etwas, was das sehr gut war; wir haben uns mal sehr gemocht. Welche Bilder habe ich sehr gemocht, ohne dass ich von außen beeinflusst wurde? Was sind die Bilder, die ich wirklich machen möchte? Ich wollte eine Bestandsaufnahme machen; wo komme ich her, so gut bin ich und wohin kann ich mich noch entwickeln?

 

Das Buch heißt Personal, weil es für mich selbst ist, so wie ich alle Bilder für mich selber mache“.

 

Sein Kreativ-Tipp

 

Sein Tipp für Fotografen, die sich weiterentwickeln möchten:

„Sturheit ist wichtig; Augen zu! Und was siehst Du dann für Bilder, die Du nicht siehst? Geh nach innen und denke nicht an Technik. Ein gutes Bild hat Empathie und die hat es nur, wenn das Bild das ausdrückt, was Du fühlst. Denke darüber nach, was Du fühlst, und diese Gefühle muss man in der Folge technisch umsetzen. … Es geht um eine Sinnlichkeit, die ich vermitteln möchte. Und dieses Gefühl muss den anderen erreichen!“

 

 

Fotobuch-Regal.de - Rezension: Vincent Peters - Personal - Vorderseite

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Fotobuch-Regal.de - Rezension: Vincent Peters - Personal - Rückseite

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Fazit:

 
Mit minimalen Mitteln entstehen hier zeitlose, aber dramatische Porträts, die Raum für die Fantasie des Betrachters lassen. Intim, romantisch, voyeuristisch und glamourös zugleich. Der Betrachter sieht die schönsten Modelle von einer unerwarteten Seite.

Peters deutet mit leisen Tönen viel an und baut Spannung durch Lichtabfall und Verstecken auf. Auf mich wirken seine Bilder mit den dezent ausgeschmückten weiblichen Modellen sehr feinfühlig und sinnlich in einer Zeit der digitalen Schärfe. Sie sind subtil und zwischenzeilig, aber mitteilend, wenn man in ihnen lesen möchte.

 

Wer den eigentlichen Vincent Peters kennenlernen möchte, besucht eine seiner Ausstellungen oder schaut sich diesen wirklich großformatigen und hochqualitativen Band im vorzüglichen Stil an.

Dieses Buch ist erstklassig gedruckt auf ebensolchem Papier. Ein Band zum Verlieben, daher finde ich den Preis von knapp Euro 100 angemessen.

 

Für mich ein unglaubliches Buch. Vincent Peters ist für mich ein großer Meister des Lichts ähnlich wie Bruce Weber. Man kann unglaublich viel Inspiration aus diesem Buch schöpfen. Mich erreicht dieses Buch; großes Gedanken - Kino.



Buchdaten:

 

Format: Gebundene Ausgabe
   
ca. Maße cm (BxLxT): 29 x 36 x 2,5
Seitenanzahl: 112
ca. Gewicht: 2600 g.
   
Autor(en): Vincent Peters
Verlag: teNeues
Auflage: 1
Erschienen am: 15.09.2016
   
ISBN: 9783832734091
Preis in (D): 98,00 €

 

Links:

 

Vincent Peters - Personal* 

*

 

Link: Vincent Peters - Homepage

Link: teNeues Verlag - Homepage

 

Wer sich mehr für Vincent Peters werbliche Modefotografie interessiert, sei sein erster Bildband empfohlen. Er ist anders, aber ebenfalls großartig. Große bekannte Namen, sehr plakativ inszenierte Porträts für eigentlich alle große Namen der Werbefotografie:

Vincent Peters - The Light Between Us – Virtuose klassische Porträts

 


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von Vasco R. Tintrup, Herausgeber:

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